Atul Dodiya At Galerie Templon

Ill : Black Petals - III, 2018, huile, mastic epoxy, stratifié sur bois, 183 x 122 cm
Ill : Black Petals – III, 2018, huile, mastic epoxy, stratifié sur bois, 183 x 122 cm

A dialogue of the film by Federico Fellini The Dolce Vita is the starting point of the exhibition: at a reception, facing a painting by Morandi, the hero expresses his fascination for the calm and beauty of the painter’s composition, before revealing his anguish at this apparent serenity: ‘Peace scares me, perhaps more than anything. I have the impression that it is only a facade that hides the face of hell ‘. The exhibition of Atul Dodiya is articulated around this tension between wonder and threat of destruction.

Twenty paintings taken directly from the film inaugurate the course. Then a series of paintings inspired by the Italian Renaissance frescoes conjures, in the midst of arcadian landscapes, figures of saints as well as God Shiva, as saviors of an environment threatened by collapse. Brancusi’s column becomes a recurring abstract motif. Atul Dodiya mixes references as much as he marries techniques (oil painting, putty, laminate) to offer his painting an unprecedented materiality. Three large windows bring together found objects and photographs of Atul Dodiya, acting as reminders of Morandi’s work. There is the paper flower that the Italian painter used as a model and gives its title to the exhibition. Although rigid and lifeless, it shows the beauty of the creation which one can, despite everything, imagine taking advantage of the perfume.

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Un dialogue du film de Federico Fellini La Dolce Vita est le point de départ de l’exposition : lors d’une réception, face à un tableau de Morandi, le héros exprime sa fascination pour le calme et la beauté de la composition du peintre, avant de révéler son angoisse devant cette sérénité apparente : ‘la paix me fait peur, peut-être plus que tout. J’ai l’impression qu’il ne s’agit que d’une façade qui cache le visage de l’enfer’. L’exposition d’Atul Dodiya s’articule ainsi autour de cette tension entre émerveillement et menace de destruction.

Vingt peintures directement puisées du film inaugurent le parcours. Ensuite une série de peintures inspirées par les fresques italiennes de la Renaissance convoque, au milieu de paysages d’arcadie, des figures de saints autant que du Dieu Shiva, comme sauveurs d’un envir onnement menacé par l’effondrement. La colonne de Brancusi y devient un motif abstrait récurrent. Atul Dodiya mêle les références autant qu’il marie les techniques (peinture à l’huile, mastic, stratifié) pour offrir à sa peinture une matérialité inédite. Trois grandes vitrines réunissent des objets trouvés et photographies d’Atul Dodiya, agissant comme des rappels de l’œuvre de Morandi. On y trouve la fleur en papier que le peintre italien utilisait comme modèle et qui donne son titre à l’exposition. Bien que rigide et sans vie, elle manifeste la beauté de la création dont on peut, malgré tout, imaginer profiter du parfum.

ATUL DODIYA: THE FRAGRANCE OF A PAPER ROSE
Dates: 27 Octobre — 29 Decembre 2018
Vernissage: Le Samedi, 27 Octobre 2018 de 12h À 20h

Exhibition Dates: October 27 – December 29, 2018
Opening: Saturday, October 27, 2018 from Noon – 6pm

GALERIE TEMPLON
30 RUE BEAUBOURG
75003 PARIS

David LaChapelle At Galerie Templon Paris Grenier Saint-Lazare

A New World, 2017, tirage pigmentaire à partir d'un négatif peint à la main, 162,2 x 249,5 x 6,5 cm
A New World, 2017, tirage pigmentaire à partir d’un négatif peint à la main, 162,2 x 249,5 x 6,5 cm

David LaChapelle returns to Paris with an exhibition specially designed for the 28 rue du Grenier Saint Lazare. Scenographed as a journey through the imagination of the artist, Letter to the World brings together older iconic works with new unpublished work.

The two floors of the gallery are organized as a dialogue between two worlds: from destruction to utopia, from excesses to redemption.

On the first floor, LaChapelle stages a civilization on the verge of collapse, crossed by the excesses of the consumer society, the cult of celebrity, and environmental dangers. Seismic Shift, Death by Hamburger and Addicted to Diamonds rub shoulders with portraits of Andy Warhol, David Bowie or Michael Jackson. Crazy still lifes respond to industrial landscapes. Beyond the political questions raised by this ensemble, there is a reflection on the role of the artist and the spectator: our aspiration for beauty and eternal youth, the accomplice desire for a materialistic well-being always unsatisfied.

Upstairs, he responds to this apocalyptic world with a fantastic New World. Guided by his admiration for the great masters of the history of art, he develops a dreamlike vision of a wild paradise. It’s been 10 years since David LaChapelle settled in the Hawaiian jungle. In search of spirituality and a healthier life, he reveals with his new photographs an unexpected aspect of his research. His images are bathed in electric colors, composed like collages. They call at once the beginnings of photography, William Blake, Leonardo da Vinci or religious iconography.

For the first time, LaChapelle also exhibits some of his very first photographs, dated from 1983 to 1989. Realized in analogical process with painting on negative, they already show the sensitivity of the artist and the call of the nature.

David LaChapelle intrigues us with his virtuosity in art history and popular references, street culture and metaphysical questioning, to draw a striking allegory of the culture of the twenty-first century. One of the most published photographers in the last twenty years, he has been focusing since 2006 on the artistic aspect of his practice.

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David LaChapelle revient à Paris avec une exposition conçue spécialement pour l’espace du 28 rue du Grenier Saint Lazare. Scénographiée comme un parcours à travers l’imagination de l’artiste, Letter to the World réunit œuvres anciennes, devenues iconiques, et nouvelle production inédite.

Les deux étages de la galerie s’organisent comme un dialogue entre deux mondes : de la destruction à l’utopie, des excès à la rédemption.

Au sous-sol, David LaChapelle met en scène une civilisation au bord de l’effondrement, traversée par les excès de la société de consommation, le culte de la célébrité, et les dangers environnementaux. Seismic Shift, Death by Hamburger et Addicted to Diamonds côtoient les portraits d’Andy Warhol, David Bowie ou Michael Jackson. Des natures mortes déjantées répondent aux paysages industriels. Au-delà des interrogations politiques que cet ensemble soulève, se dessine en creux une réflexion sur le rôle de l’artiste et du spectateur : notre aspiration à la beauté et la jeunesse éternelle, le désir complice d’un bien être matérialiste toujours insatisfait.

Au-dessus, David LaChapelle répond à ce monde apocalyptique par un New World fantastique. Guidé par son admiration pour les grands maîtres de l’histoire de l’art, il développe une vision onirique d’un paradis sauvage. Cela fait 10 ans que David LaChapelle s’est installé dans la jungle de Hawai. En quête de spiritualité et d’une vie plus saine, il révèle avec ses nouvelles photographies un aspect inattendu de ses recherches. Ses images sont baignées de couleurs électriques, composées comme des collages. Elles convoquent à la fois les débuts de la photographie, William Blake, Léonard de Vinci ou l’iconographie religieuse.

Pour la première fois, David LaChapelle expose également quelques-unes de ses toutes premières photographies, datées de 83 à 89. Réalisées en processus analogique avec peinture sur négatif, elles manifestent déjà la sensibilité de l’artiste et l’appel de la nature.

David LaChapelle entremêle avec virtuosité histoire de l’art et références populaires, street culture et questionnements métaphysiques, pour dresser une allégorie saisissante de la culture du XXIème siècle. L’un des photographes les plus publiés ces vingt dernières années, il se concentre depuis 2006 sur l’aspect artistique de sa pratique.

DAVID LACHAPELLE: LETTER TO THE WORLD
3 NOVEMBRE — 29 DÉCEMBRE 2018
VERNISSAGE : SAMEDI 3 NOVEMBRE 2018 DE 12H À 20H

Exhibition Dates: November 3 – December 29, 2018
Opening: Saturday, November 3, 2018 from Noon – 6pm.

GALERIE TEMPLON
28 RUE DU GRENIER SAINT-LAZARE
75003 PARIS

Iván Navarro At Galerie Templon Brussels

Totem, 2013, fluorescent lights, aluminum, mirror and electric energy, 254 x 112 x 112 cm (100 x 44 x 44 in.), unique
Totem, 2013, fluorescent lights, aluminum, mirror and electric energy, 254 x 112 x 112 cm (100 x 44 x 44 in.), unique

For his new exhibition Prostutopia at Galerie Templon in Brussels, Chilean artist Iván Navarro has deconstructed the notion of utopia. Extending his exploration of the energetic forces that incite revolutionary action, and following up on his recent exhibition Fanfare, at Templon Paris in 2017, which invoked the power of sound and music as a revolutionary tool, he now turns his attention to the utopian vision and its exploitation.

A resident of New York for over 20 years, Iván Navarro’s works are political, informed by art history, design and architecture as well as his personal experience of American society and the Pinochet dictatorship in Chile. His new work tak es the notion of utopia and its subsequent commodification as its starting point. Prostutopia questions the distorting spectacle of utopia dressed up, marketed and denatured.

On the opening evening, between 6.30pm and 7.30pm, the exhibition will include a performance piece entitled Sirens, conceived in collaboration with artist Courtney Smith.

Born in 1972 in Santiago, Iván Navarro has been living and working in Brooklyn (NY) since 1997.

IVÁN NAVARRO: PROSTUTOPIA
Exhibition Dates: September 6 –October 20, 2018
Opening: Thursday, September 6, 2018 from 5.30pm to 8.30pm
Special Performance: Thursday, September 6, 2018 from 6.30pm to 7.30pm

BRUSSELS GALLERY WEEKEND: SEPTEMBER 6-9, 2018

GALERIE TEMPLON
RUE VEYDT 13 VEYDTSTRAAT
1060 BRUSSELS

Jim Dine “In Vivo” At Centre Pompidou

Jim Dine
Jim Dine, Nancy and I at Ithaca (Straw Heart) 1966-69/1998, steel, straw, resin / acier, paille, résine, Collection Centre Pompidou, photo © Ellen Page Wilson © Adagp, Paris 2017

On the occasion of the Paris Reconnaissance show dedicated to Jim Dine’s substantial donation to Musée National d’Art Moderne – Centre Pompidou, the american artist will be presenting ‘House of Words’, a reading and performance accompanied by bassist Daniele Roccato and pianist Fabrizio Ottaviucci, at Centre Pompidou. Translation: Vincent Broqua (Double Change) and Béatrice Trotignon.

Now world famous as a poet and artist, Jim Dine (b. Cincinatti, 1935) moved to New York in 1958. After making a name for himself with his happenings, he then turned to paintings that combined Abstract Expressionism with Pop images to novel effect. In painting and sculpture, prints and drawings of great diversity, Dine has developed over the last sixty years an intensely personal iconography, a highly distinctive voice.

The artist has always been fascinated by the interaction between words and images, and he has been publishing poetry since 1969. First written and reworked on the walls, his poems transform writing into a physical experience.

Curators: Sophie Duplaix (MNAM) – Cristina Agostinelli.

The ‘In Vivo’ cycle is dedicated to performative practices.

CENTRE POMPIDOU, CINEMA 2
THURSDAY, MARCH 15, 7pm
FREE ENTRY SUBJECT TO AVAILABILITY

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Dans le cadre de l’exposition Paris Reconnaissance autour de la donation exceptionnelle faite par Jim Dine au Centre Pompidou, l’artiste américain Jim Dine présentera ‘House of Words’, une lecture performance accompagné de Daniele Roccato à la contrebasse et de Fabrizio Ottaviucci au piano. Traduction : Vincent Broqua (Double Change) et Béatrice Trotignon.

Depuis la fin des années 1950, l’américain Jim Dine explore différents langages artistiques. Peintre, sculpteur, graveur et poète, il réalise les tous premiers happenings aux côtés d’Allan Kaprow et Claes Oldenburg, et mêle les influences de l’expressionnisme abstrait et du pop art dans le développement d’une oeuvre prolifique à l’iconographie personnelle. L’artiste a toujours été fasciné par l’écriture et par l’interaction entre l’image et les mots ; comme il apparait dans certaines toiles ou dessins, et dans tous ses poèmes dont la première publication date de 1969. D’abord écrits sur un mur et ainsi travaillés à la fois quant à la forme des lettres et au choix de mots, les poèmes de Jim Dine transforment l’écriture en expérience physique.

Commissaires : Mnam/Cci, Sophie Duplaix – Cristina Agostinelli.

Consacré aux pratiques performatives, In Vivo invite un artiste à s’exprimer sur son travail ou à montrer une action.

CENTRE POMPIDOU, CINÉMA 2
JEUDI 15 MARS 2018, 19H
ENTRÉE LIBRE DANS LA LIMITE DES PLACES DISPONIBLES

Galerie Templon News